达芬奇的生平及作品简介 建筑09.2班 郭文涛 杜云峰 赵志龙.

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1 达芬奇的生平及作品简介 建筑09.2班 郭文涛 杜云峰 赵志龙

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3 达芬奇简介： 列奥纳多·达·芬奇，意大利文艺复兴三杰（列奥纳多·达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔）之一，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表。他是一位思想深邃，学识渊博、多才多艺的画家、寓言家、雕塑家、发明家、哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工程师和军事工程师。他是一位天才，他一面热心于艺术创作和理论研究，研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学，为了真实感人的艺术形象，他广泛地研究与绘画有关的光学、数学、地质学、生物学等多种学科。他的艺术实践和科学探索精神对后代产生了重大而深远的影响。

4 人物生平： 里奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci ，1452年4月15日~1519年5月2日），是艺术家，又是科学家和发明家。这位奇才对各个领域的知识几乎是无师自通，是人类历史上绝无仅有的全才，他最大的成就是绘画，他的杰作《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》，体现了他精湛的艺术造诣；他还擅长雕刻、音乐，通晓数学、生理、物理、天文、地质等科，既多才多艺，又勤奋多产，保存下来的手稿大约有6000页。达芬奇认为自然中最美的研究对象是人体，人体是大自然的奇妙之作品，画家应以人为绘画对象的核心。世界上什么东西最难画那就是人，而他却是人类历史上唯一一位人物肖像画作和照相机拍的照片几乎一样的画家。

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15 达芬奇的十大秘密武器

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26 ——达芬奇代表作品

27 油画作品

28 蒙娜丽莎 创作年代： 文艺复兴 尺寸： 77×53cm 收藏： 卢浮宫

29 《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达·芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。

30 达·芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。在构图上，达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更加端庄、稳重。另外，蒙娜丽莎的一双手，柔嫩、精确、丰满，展示了她的温柔，及身份和阶级地位，显示出达·芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。另外蒙娜丽莎的眉毛因化学反应而不见了，背景曾有蓝天。据考证，蒙娜丽莎的微笑中含有83%的高兴，9%的厌恶，6%的恐惧，2%的愤怒。

31 《蒙娜丽莎》的绘制前后历时四年。这幅肖像画的原型是达·芬奇朋友的妻子。据说模特是佛罗伦萨人，刚刚丧婴，为解除她的痛苦并露出自然的微笑，莱奥纳多便请人来为她奏乐。她的微笑是人们津津乐道的话题，有时似乎是很严肃有时又象很温柔；有时略含忧伤有时又显讥讽。蒙娜丽莎的右手更被称为“美术史上最美的一只手”。为作这幅画，达·芬奇先研究了她的心理，为保持她欢愉的心情还特别请来竖琴师和歌手为她表演。达·芬奇极其准确地捕捉到了蒙那丽莎一瞬那的迷人微笑，用精湛的笔触细致入微地描画了她微妙的心理活动。现在你看这幅画时，依然会感受到她的微笑所蕴含的摄人心魄的力量。

32 基督受洗 这是一个基督教传统 绘画题材，是应瓦隆 勃罗萨教团之邀，为 该教团的一所寺院而 画的。那时达·芬奇尚 未离开老师的工场。据
称这幅画的主要构图是 委罗基奥完成的，达芬 奇补充了剩下的部分。

33 在这幅画上，达·芬奇奉老师之命，只画了左侧两个小天使中左边一个，可是就这一个侧面形象的天使，从人物造型和脸部的神情表现来看，要比老师所画的其他几个人物生动得多。达·芬奇着重描绘的是一个天真无邪、毫无神秘色彩的儿童形象。儿童头部的卷发、身上的衣褶以及他与据说也是他画的后面的自然背景之间的和谐关系，给人以极其真实可信的感受。尽管是初露头角，但可以看出达·芬奇在人体结构与自然形象方面的深入探究，已经优于他的老师。色彩表现符合规律，形体的写实性十分强烈，因而给人以神态毕肖的印象。

34 画布上这个跪着的小天使，目光炯炯有神，他认真而又好奇地注视着眼前所发生的事件。这一切似乎使他深入幻想的境界。当老师委罗基奥看了之后，也颇有自愧勿如的心情。自此以后，达·芬奇又被老师介绍给一位在陶器釉绘上有独特技艺的画家卢卡·德拉·波比亚，让达·芬奇进一步向这位色彩大师学习绘画的技艺。 此幅湿壁画有176.9×151.2厘米大，现藏于佛罗伦萨乌菲齐博物馆内。

35 吉内薇拉·班琪 。

36 达芬奇透过《吉内薇拉·班琪》画中的眼神，美中有忧伤和茫然。猜想是因为担心不知所嫁的老公是老是丑映射她的内心。画中并没有运用线, 反而运用“阴影”加强立体感。仔细看你会发现衣服中有薄纱且与胸前的扣环仍清楚保留约一公分的空隙处理, 这也是达芬奇高超之处。 这是达·芬奇在佛罗伦萨时期唯一的肖像画。油彩画板 42×37cm ，当时的少女在结婚时,习惯都会画一幅肖像画做纪念。可惜这幅肖像画的底部因受损而遭致裁切，那部份可能是少女的手臂,其姿态也许就像三十年后的“蒙娜莉莎”。 其中《吉内薇拉·班琪》(Ginevra de BeneiZ)收藏在美国华盛顿国家美术馆。

37 博士来拜 《博士来拜》 是达·芬奇的 名画之一。

38 《博士来拜》是达·芬奇的名画之一，油画，画作取材于圣经中耶稣诞生之时 东方三博士前来朝拜的故事。在这幅未竟之作中，画家不再以叙事角度简单罗列有关人物，而以激烈对比的构图和形象表现显示艺术上的创新：圣母、圣婴和三位博士形成三角形的稳定构图，周围的群众却以激动的手势环列左右，宛如人群组成的漩涡；背景上按精确的透视法画出的建筑遗迹和奔腾飞跃的马队也形成强烈的对照。

39 在刻画前景人物、特别是围观的群众时，色调幽暗，让形象从阴影中闪出，一反15 世纪绘画明晰透露的特点，力求幽微含蓄，在艺术手法上形成他独创的烟雾状色调。因此，这幅画虽未完成，却表明达·芬奇的艺术探讨已大大超越同侪，预示文艺复兴风格的到来。

40 音乐家肖像 在达·芬奇留存很 少的男子肖像画 中，《音乐家肖 像》是其中具有 代表性的一幅作 品。

41 在达·芬奇留存很少的男子肖像画中，《音乐家肖像》是其中具有代表性的一幅作品。这幅作品作于1485年，保存完好，对研究达·芬奇的其他作品具有非常重要的意义。 音乐家肖像
画中的音乐家名叫法朗基诺·加甫里奥，大概是服务于路德维科宫廷的一名青年乐师。他有着一头漂亮的卷发，神情严肃，手里拿着乐谱。由于达·芬奇没有完成这幅肖像画，所以他也没在画中签名。 　　

42 纺车边的圣母 。

43 2003年8月，2名装扮为普通游客的窃贼从德拉姆兰里格城堡偷走了达·芬奇的名作《纺车边的圣母》。这件艺术品估价约3600万英镑，2007年，在格拉斯哥一间办公室里找到了这件被盗的名画。

44 岩间圣母

45 此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后,构成三角形构图，并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。

46 画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围，但是人体的轮廓在昏暗山岩的衬托下还是能明显地辨别出来，尤其是画家着力描绘的面庞被刻意营造出的神秘气氛所笼罩，人物轻柔、温存、纯真的表情栩栩如生地突显出来。奇怪形状的悬石从湿漉漉的岩体上垂下，具有植物学准确性的花草从岩缝里穿凿而出，竟然能辨别出鸢尾花，银莲花，紫罗兰和一些蕨类植物。远处蓝色的天空透过岩体之间的孔洞和夹缝呈现在人们的眼前，年轻的母亲以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰，他的另一只手则向儿子伸过去，天使面向着观众，把他们引向画中，用手指示着这个场面。一连串手势代表保护、指示、祝福等含义，这一组任务是按金字塔的构图原理组建安排的，塔顶是圣母的头，侧边是他伸出的双手，底角是天使和婴儿。列奥那多把结构看作打开作品意图的钥匙，这很大程度上形成了盛期文艺复兴的古典主义金字塔式的人物构图。

47 创作时期：第一幅约作于1483～1490年间，另一幅约作于1508年 。第一幅为198×123厘米，第二幅为189. 5X119

48 莉妲和天鹅 《莉妲和天鹅》 （1503年） 是 达·芬奇极为珍 爱的作品，始终 带在身边，晚年 移居法国也不离

49 施洗者圣约翰 《施洗者圣约翰》 是意大利画家达芬 奇的画板油画，作于 1513年-1516年间， 画面显示《圣经》中 施洗者圣约翰。
现藏于法国巴黎卢浮宫。

50 《施洗者圣约翰》》达·芬奇的名画之一。画作取材于圣经中的人物：布道者约翰奉上帝之命，将为耶稣施以洗礼，当他舀起约旦河的圣水为耶稣洗礼时，天空突然豁然开朗，有一鸽子形状的圣灵显现在被启开的天空中。从此约翰紧随耶稣布道，得名“施洗者圣约翰”。画面上，漆黑的背景上，施洗约翰上身裸露着，而整个身子没入黑暗里，只有从右肩到胳臂、脸部、右手以及隐约可见的左手，暴露在照明之中。施洗约翰头发很长，宛如一个青年牧羊人，他一手拿着十字架，一手指向天空，脸上露出狡黠而神秘的微笑。这幅画虽属传统题材，人物和背景的描绘却前所未见。事实上，施洗约翰在茫茫黑暗之中指着天国，揭示了画家此时内心的苦闷与彷徨。

51 达·芬奇去世前不久完成的画作《施洗者圣约翰》美丽且妖冶。有人认为画中那男女莫辨的圣约翰原型可能是达芬奇的助手兼男仆沙莱。这幅《施洗者圣约翰》和《蒙娜丽莎》一同被达芬奇带往法兰西国王安排的城堡，一直留在达芬奇的身边，直至死去。画中的圣约翰的脸庞线条都显得异常柔和，甚至说妩媚也不为过，简直男女莫辨。有人说，这是以画家钟爱的男模特为原型的，也就是同性密友。

52 据圣经记载，圣约翰是耶稣基督的表兄，耶稣基督开始传福音之前在旷野向犹太人劝勉悔改，并为耶稣基督施洗。同样他也是伊斯兰教的先知。约翰在约旦河中为人施洗礼，劝人悔改，是基督教的先行者，宣传犹太教需要改革，并预言上帝将要派重要的人物降生，要比自己重要千百倍，为耶稣宣讲教义打下了基础。

53 圣母子与圣安妮、施洗者圣约翰 圣母子与圣安妮 是达芬奇的画板 油画，作于1508 年，现藏于法国巴 黎卢浮宫。描绘了 圣安妮、圣母玛利亚
和和刚刚出生不久的 耶稣。

54 　多年来，可怜的圣母玛利亚雕像频频遭到破坏，第一次的情况是，玛利亚的四根手指在一次搬动过程中被弄断。1972年，一位疯狂的地质学家走入教堂，一边尖叫“我是耶稣基督”，一边手持铁锤朝着毫无保护措施的雕像砸去。雕像遭到严重的毁坏，玛利亚的鼻子也被旁观者拿走了。后来，修复专家不得不从玛利亚雕像背部取材来恢复雕像正面的原貌。这位攻击者并未因其疯狂举动受到起诉，理由是他是精神病患者。不过，在《圣母怜子像》再次修复之后，马上用防弹玻璃罩保护了起来。

55 受胎告知 横幅构图《受胎告知》尺幅为97×216厘米(一说104×217厘米),作于1470～1475年(一说1472～1473年)间。

56 　这是一幅木板上的油画,现藏于佛罗伦萨乌菲齐博物馆。描写的是《新约全书·马太福音》第一章第一节马利亚受圣灵感动的故事,它属于达·芬奇早期的杰作之一。圣经上说,马利亚许婚了木匠约瑟后,没有同房,就受到圣灵感召而 怀了孕。在路加福音第一章中是这样记载的:天使加百列奉神的差遣,往加利利的一座城去,这城名叫拿撒勒。到一个童女那里,是已经许配大卫家的一个人，名叫约瑟,童女的名字叫马利亚。天使进去,对她说:承蒙大恩的女子,我问你安,主和你同在了。马利亚因这话很惊慌,又反复思想这样问安是什么意思。天使对她说:马利亚,不要怕,你在神面前已经蒙恩了,你要怀孕生子,可以给他起名叫耶稣。

57 达·芬奇采用了横幅,是为了展现美丽的贵族庭院生活,让视野更开阔些。借助宗教故事中天使加百列与圣母对话这一段情节,既满足社会需要,也给绘画技巧的探索提供方便。于是他选用对称的形式,画了跪在草坪上传达神旨的天使,和正悠闲地在庭院读书的马利亚两个形象。这里的天使报喜富有戏剧性。马利亚的神态虽然平静,左手往后一缩的动作也显露出她内心的惊讶。她似乎不能自恃,怀疑她是否听错了天使的话。整洁美观的大庭院是运用科学的焦点透视法来展现的,宅院内华贵的建筑以及马利亚跟前的雕花桌子,都经过仔细的透视推敲。两个人物身上的衣褶是经过大量习作之后肯定下来的。所有这一切,都是为寻求绘画平面反映事物的准确性,但也显露出画家早期绘画上的刻板。

58 柏诺瓦的圣母 【创作年份】： 1478 年 【画布尺寸】： 50 x 32 公分 　　 【收藏地点】： 俄罗斯圣彼得堡 艾米塔吉博物馆

59 　在达芬奇《柏诺瓦的圣母》这幅画中，画家利用顶端的两扇圆拱的窗户设计，将观赏者的注意力引导到坐在板凳上的圣母玛莉亚与圣婴耶稣。位于中央偏左位置的圣母将没穿衣服的圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵花圣婴右手探出想要拿花，同时伸长另一只手抓住母亲。于是，玩弄花朵这个动作构成了整幅画的主题，而画面垂直的中心轴不偏不倚正好通过三只手和缓交错的地方，成为全画的中心点。 　　玛莉亚穿着一身精致飘拂的蓝袍外加红裙与露出的红袖;她在胸前别了一只胸针，将蓬松的卷发精心地编成辫子在这幅画中圣母与圣婴之。间的顾盼与姿态尽溶于画的内在世界中，其所散发出的亲密感与同质性很难让观赏者将注意力从他们身上移开

60 抱银貂的女子 规格：木板、油画 54×39公分 收藏：布拉格札托 里斯基博物馆 该作品是达芬奇1490年 创作的，在19世纪早期
54×39公分 　　 收藏：布拉格札托 里斯基博物馆 　　 该作品是达芬奇1490年 创作的，在19世纪早期 起就一直属于Czartoryski 家族。2004年，波兰金狮 奖导演尤利斯·马休斯基 代表作《盗走达芬奇》将《抱银貂的女子》搬上荧幕

61 这幅精美的肖像画，看那貂，是只披着过冬皮毛的鼬鼠。鼬鼠体型娇小、行动敏捷和性情凶猛;它们通过咬破颈项的方式来捕杀猎物;据说它们会跳蛇舞来迷惑体型比自己庞大的受击对象。现在再看莱昂纳多达芬奇所画的那只貂，在它主人轻松的怀握里，安静地歇息着，虽然仍保持高度的警惕。它的左爪像纹章图案中的神兽一样将爪高高举起。睿智的眼眸，紧闭的嘴巴盖着尖利的牙齿，柔软舒滑的皮毛，还有主人长长的手指轻轻抚摸着它。这是一只漂亮光滑的小东西，一只备受宠爱的动物。

62 该女子叫塞西利亚(Cecilia Gallerani)，在约1490年被画肖像画时大概十六岁，是当时米兰具有极大权力的公爵洛多维科( Lodovico Sforza)最喜爱的情妇。她被画之后的那一年，塞西利亚给洛多维科生了个儿子，而洛多维科却与碧翠斯(Beatrice d’Este)结婚，这位合法妻子很快确定她的对手被抛弃。记载表明，塞西利亚离开斯福尔扎城堡(Sforza castle)时将画像一并带走。

63 人们可以合理认定，这幅肖像画是受达芬奇赞助人，迷恋塞西利亚的公爵，委托所作。塞西利亚显然既漂亮可爱又天资聪明——她是诗人、语言学家和音乐家。那么为什么达芬奇将一种罕惹人喜爱的动物与之相陪称?为什么使塞西利亚如鼬鼠般的面容引人注目：这是刻毒嘲弄，是道德谴责，还是微妙的恶意行为?画入白貂在一定程度上是对洛多维科的恭维，而公爵也将它看作是一个象征。这里就有心照不宣的玩笑：一位残忍无情的贵族被他的情妇爱抚着，被爱情的力量柔化成顺贴服从的样子。但在另一面，那只白貂也是塞西利亚她自己。看塞西利亚肩膀曲线条是怎样如此完美地与白貂身躯的线条和谐相称，她弯曲的手腕是怎样附和模仿它的手爪，两者是怎样地以一种纡回流畅的螺旋方式相关连，他们相般配的眼睛，同样地清澈和显现棕色，望着他们右边同一方向点——都看着公爵，人们推测，那是画里最优雅的组成部分，同样也是光源。白貂和女子几乎无法分割，一个存在的两个方面：你可以看到他们是怎样地激发菲利普普尔曼(Philip Pullman)构思精灵的灵感——《黑暗物质》里动物形式的灵魂或者是他我(另一个自我)这样生动的特色故事。

64 达芬奇的名作《抱银貂的女子》在波兰饱受举国的宠爱，被称为是波兰最有价值的油画作品。在经历国外的美术机构多次邀约后，波兰的艺术专家和文化部就这幅画作是否可以离开波兰进行了近乎长达一年的讨论，终于文化部于本周三宣布，允许《抱银貂的女子》离开波兰至西班牙、德国、英国展出。 该作品是达芬奇1490年创作的，在19世纪早期起就一直属于Czartoryski家族。

65 拈花圣母 画于1478年。 它表现的是年 轻的玛利亚和 儿子耶稣在一 起的情景。

66 圣母穿着暗蓝色的衣服，外加红袖红裙，身披金色的斗篷，胸前别了一只胸针。圣母将圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵康乃馨。圣婴正伸出手想要抓住康乃馨。据传说，粉红色康乃馨是圣母玛利亚看到耶稣受难时留下的伤心泪水，眼泪掉下的地方就长出康乃馨，因此粉红康乃馨成为了不朽母爱的象征。红色康乃馨则是象征殉难的基督徒的血，似乎预示了圣婴以后的遭遇。 　　此画前景中摆着一瓶花，圣母的肘部几乎就要碰到花瓶。萨瓦里笃定该画是达芬奇跟韦罗基奥学徒时期的作品，画中的圣母带有韦罗基奥作坊的特点——苍白的、北欧人式的脸，金黄色的卷发，双眼望着下方。最能反映达芬奇特色的地方是圣母身后穿过凉廊的风景，那是一排崎岖不平，犬牙交错的山峰。

67 这幅画虽然也是采用宗教题材，但却完全排除了宗教画的气息，充满着浓厚的人情味。这里的圣母已不再是传统宗教画中的那种超脱人世的冷漠的面孔。
《拈花圣母》中表现出的人性感染力更是超越了当时的同主题作品。圣母孩童般纯真的笑容和圣婴专注抚弄花朵的神情是如此生动，令人怜爱。

68 《康乃馨圣母》

69 和《康乃馨圣母》相较，这幅画更具有达芬奇成熟时期的特征，特别是达芬奇逐渐舍弃坚硬的轮廓线，使人物的外形逐渐溶入背景，纯粹以明暗来定义物体与空间的关系，同时明暗的渐层过渡十分细腻，可见此时达芬奇已能善用“晕涂法”的效果。对于人物以外的其它描写也简化许多，省略了不必要的细节，以强化人物主题的重要性。这都是对后世有决定性影响的绘画观念和技法。前述的《康乃馨圣母》画在木板上，而这幅《拈花圣母》是画在画布上的，帆布本身可能也促成了新的明暗画法来制造立体效果。以保存状况而言，这幅画有些部分被画的太厚，有些地方色层已经剥落。

70 哺乳圣母 年代：1490 　　 尺寸： 41．9×33 厘米 收藏：苏联艾尔米 塔日博物馆

71 圣母怀里的婴儿形象被画得很生动，形象丰满，神态恬静，洋溢着一种年轻母亲的温柔的爱子之心，但在这里仍然是色彩处理让位于解剖结构的合理性。
《 哺乳圣母 》是否有他学生的手笔，没有文字根据 。这里画家更多强调的是一种母爱的普遍人性。形象丰满，神态恬静，洋溢着一种年轻母亲的温柔的爱子之心。但圣母的脸部仍显露出达.芬奇所惯用的描绘公式,过分重视女性眼睛的块面结构(这在他以后的大量圣母像上都有表现)。圣母怀里的婴儿形象被画得很生动 ,但在这里仍然是色彩处理让位于解剖结构的合理性。总之,这一幅画是他前期肖像艺术的一个范例 。这时期,达.芬奇所全神贯注的,正是他对人体描绘的科学研究。

72 额饰女郎

73 《额饰女郎》是达芬奇传世的一件非常怪异的作品。经后人证实，这件作品所使用的木板与《切奇拉·加莱拉尼的肖像》所使用的木板是从同一个棵树的树干上切割而成。但是达芬奇在完成了女郎的头部和双肩以后似乎中断了工作。可能原本打算，女郎的身体不对称的位置应该由放在左边的一些建筑物配件来补偿。画面上也应该有双手，就像《蒙娜丽莎》和《切奇拉·加莱拉尼的肖像》一样，但在这件作品中作者却画了一个似乎毫无意义的栏杆，让人颇为费解。

74 戴珍珠头饰的夫人像 这幅侧面肖像大约绘制 于 1490 年间（这一时 期他绘制的肖像很多， 迄今保存的只是寥寥 数件）。

75 达·芬奇画的女性肖像难免存在一种“微笑的公式”，但并非全然如此。他的美学观总的说是科学求实的精神。他所集中注意的是对自然规律的探索。达·芬奇把容貌美丽的女性，看成是自然界最完美的产品，他曾说：“试想夺去一个如此美妙的自然造物的生命，那是多么残忍的行为。”所以在对待肖像画上，他时时把人的精神气质与外貌结构结合起来研究的。这一幅女性侧面肖像尤其令人感到其描绘的精确性：那一丝不苟的脸部轮廓，美丽而整齐的秀发，古代贵妇的头饰上的珍珠，被他仔细地观察、研究和刻意描绘着。那一串从头绕到颈项的长长的珍珠，几乎每一颗的立面、高光及其圆润感都作了细腻的绘写；黑色的披风和红色的束胸上衣，紧紧地衬托出这位女性的丰满的胸脯，从而增强了贵妇人的华贵与庄重感。如果说，达·芬奇在《蒙娜·丽莎》上所注重的是她的神秘的笑容，那么，在这里，画家是以精确的素描结构赞美着这位妇女的绝世容貌。

76 1483年起,达·芬奇离开佛罗伦萨,前往米兰,投奔在米兰大公留多维柯·斯福查手下,被聘任为宫廷画家兼工程设计家,直至1499年底。这是达·芬奇的第一个米兰时期。说它是“第一个”,因达·芬奇后来为避战乱,一度离开过米兰。在这段时期里,达·芬奇的主要艺术贡献是为斯福查的父亲制作青铜骑马像。虽然最后仍未完成,但这一创作任务耗去了他许多精力。在绘画方面,除了他的几幅名作之外,我们不能低估那些在他的绘画史上不着重要笔墨的女性肖像画。在米兰时期,达·芬奇曾受到米兰女皇采奇莉娅·格列拉妮的特殊礼遇。女皇从自己肩上取下一块用金丝和银丝织成的贵重围巾,戴到达·芬奇的颈肩上，又从留多维柯大公的秘书官手中取过月桂冠，戴到了这位大画家的头上,并高兴地封给达·芬奇以骑士爵位。

77 这不仅说明米兰宫廷尊重这位艺术家,还说明达·芬奇的过人才智所赢得的社会地位。画家为了答谢女皇这种宠信,他以一幅《抱鼬鼠的夫人肖像》(1483
这不仅说明米兰宫廷尊重这位艺术家,还说明达·芬奇的过人才智所赢得的社会地位。画家为了答谢女皇这种宠信,他以一幅《抱鼬鼠的夫人肖像》(1483.5),来展示这位女皇的美丽。自那以后,宫内所有知名的夫人女士,都想有一幅出自这位杰出大师的手笔的自己的肖像画。这幅《戴珍珠头饰的夫人像》就是其中之一。

78 加罗法诺的圣母

79 这件圣母作品是达芬奇的油画传世作品。作品描绘的是年轻的圣母玛丽亚怀抱圣婴逗其玩耍的情景。圣母表情安详平静，手拿一支野花在逗幼儿抓握。展现出一种温馨的感觉。这件作品构图单纯简洁，造型也自然优美，应该算是大师的成熟之作

80 酒神巴卡斯

81 这件油画作品是达芬奇的传世油画作品之一。作品描绘的是希腊神话的酒神巴卡斯，在作品中卡巴斯坐在一块石头上面，右手指向画外，仿佛要告诉观赏者什么。他身体强健，展现出强健之美，色彩的运用细腻柔和。虽然历经岁月的洗礼，却依然光彩照人。让我们不得不佩服大师用色的高超。

82 圣母子与圣安妮 《圣母子与圣安妮》 高约168.4厘米， 长129.9厘米，背面 由4块白杨木板组合而成，并由2根横梁固定。 圣母子与圣安妮
由4块白杨木板组合而成，并由2根横梁固定。 圣母子与圣安妮 此前，这幅画一直收藏在罗浮宫博物馆，供来自世界各地的游客观赏。

83 在这里，画家让圣母马利亚坐在她母亲的膝上，外祖母圣安妮虽然也很年轻，但仍感到圣母的身躯太大些，她难以承受如此重量。可是圣安妮脸上展现的笑容，是对着眼前那个顽皮的小外孙--耶稣(耶稣正从母亲的手中挣脱下来，想要骑在羔羊身上)而发出的，马利亚倒象坐在安乐椅上那样，毫不介意地伸手要去抱耶稣。这种情绪传递是不很协调的，人物尽管处理得紧凑，却并不显得自然生动。

84 　圣家族这一类圣经题材，在宗教壁画中是最常用的,因人而异，画家们各有自己的表现特色。达·芬奇在这一幅油画上的重点是放在圣安妮这一形象上，尤其是精心刻绘她的脸部表情。尽管这里再一次暴露出他的女性的微笑公式，为达·芬奇的现实主义的美学最高理想，他几乎象对待自然界一切未知之谜一样地去追求它。

85 《圣母子与圣安妮》-背面发现三幅素描 　　第一幅素描是一个马头，位于左边的第二块木板，高约18厘米，长10厘米，素描中马鬃毛散乱，口鼻大张，仿佛咬住了什么东西，整幅构图不禁让人想起达·芬奇创作的一幅壁画《安吉里之战》，后者取材于15世纪佛罗伦萨和米兰之间的战争，其中就有两匹战马互相撕咬的情景。第二幅素描位于左边的第三块木板上，画的是一个头骨的侧面，其中包括眼眶的空洞、一部分鼻腔和半个下颌骨，而且还有牙齿。比起前两幅素描，第三幅素描显得十分模糊，它位于最靠右边的木板，画的是圣婴的半身像。图中的圣婴头转向右侧，正在与怀中的小羊羔玩耍，这幅素描与《圣母子与圣安妮》中的圣婴形象非常接近，仿佛是正面油画的草稿。

86 圣耶若姆

87 这件作品是达芬奇的一件未完成的作品，在这件作品中我们看到的是一位饱经风霜的老者，从他的脸上我们可以感觉到他曾经遭受到无尽的折磨。他旁边躺着守护他的狮子。整幅画面非常的传神。人物结构符合解剖学的原理

88 维特鲁威人 维特鲁威是公元1世纪初一位罗马工程师的姓氏，他的全名叫马可·维特鲁威。当时他写过一部建筑学巨著叫《建筑十章》，其内容包括罗马的城市规划、工程技术和建筑艺术等各个方面。由于当时在建筑上没有统一的丈量标准，维特鲁威在此书中谈到了把人体的自然比例应用到建筑的丈量上，并总结出了人体结构的比例规律。此书的重要性在文艺复兴时期被重新发现，并由此点燃了古典艺术的光辉火焰。

89 这是许多人熟悉的一幅画面：一个裸体的健壮中年男子，两臂微斜上举，两腿叉开， 《维特鲁威人》
以他的头、足和手指各为端点，正好外接一个圆形。同时在画中清楚可见叠着另一幅图像：男子两臂平伸站立，以他的头、足和手指各为端点，正好外接一个正方形。这就是名画《维特鲁威人》（HomoVitruvianus），出自文艺复兴艺术巨匠达·芬奇之手，画名是根据古罗马杰出的建筑家维特鲁威（Vitruvii）的名字取的，该建筑家在他的著作《建筑十书》中曾盛赞人体比例和黄金分割。

90 “人体中自然的中心点是肚脐。因为如果人把手脚张开，作仰卧姿势，然后以他的肚脐为中心用圆规画出一个圆，那么他的手指和脚趾就会与圆周接触。不仅可以在人体中这样地画出圆形，而且可以在人体中画出方形。即如果由脚底量到头顶，并把这一量度移到张开的两手，那么就会发现高和宽相等，恰似平面上用直尺确定方形一样。” 　　“维特鲁威人”也是达芬奇以比例最精准的男性为蓝本，因此后世也常以“完美比例”来形容当中的男性。

91 世界的救世主 画作高约66厘米、宽约47厘米。油画主要表现耶稣为世人祈福的虔诚形象，他右手做出祝福的手势，左手则捧着一个酷似水晶球状的物体，平静地凝视着世人。

92 这幅画的发现之旅也颇具传奇色彩。在被最终认定该画出自达·芬奇之手之前，这幅画一直被认为是达·芬奇学生乔瓦尼·安东尼奥·波特拉菲欧的作品而被世人忽视。《世界的救世主》是达·芬奇于1506年受法王路易十二的委托而创作的。作品随后被英国国王查理一世收藏，被传给查理二世之后，该画便销声匿迹。直到1958年，人们才在英国19世纪收藏家弗朗西斯·库克爵士的财物中发现了它。这个时候，这幅画已经损坏严重，被多人涂抹、上光，甚至还有人曾在上面涂了人造树脂。因此，当年苏富比拍卖行仅以45英镑的价格将此画拍出。

93 壁画作品

94 安吉里之战

95 壁画《安吉里之战》是达·芬奇最大最重要的作品，文艺复兴时期的巨作，取材于15世纪佛罗伦萨和米兰之间的战争，是达·芬奇少有的关于军事题材的美术作品。《安吉里之战》描绘了战争的心脏部分，展示了人与战马的躯体痛苦、恐怖的纠缠，透露出达。芬奇对人性暴力的看法。

96 　1504年，达·芬奇和米开朗基罗受命在佛罗伦萨维奇欧宫五百人大厅的墙壁上绘制雄浑壮阔的战争场景，创作了著名的壁画《安吉里之战》，希望借助这幅作品将佛罗伦萨军队1440年上演的经典战役再次呈现在世人面前。由于一些原因，这幅用油画颜料创作的壁画最终未能完成。但与达·芬奇同时代的人认为，《安吉里之战》无疑是他最伟大的绘画作品

97 16世纪中期，柯西莫·德·梅第奇雇用乔治·瓦萨里对这个大厅进行改建，达·芬奇的著名壁画就此神秘失踪。这幅创作于文艺复兴时期的壁画，只能从达·芬奇在壁画失踪前创作的草图和复制品中寻找最可能的样子。
《安吉里之战》为鲁宾斯和毕加索这两位绘画名家提供了相当大的创作灵感。在利用科技手段对艺术品进行分析方面，60岁的莫瑞希奥·塞拉西尼绝对是一个专家，塞拉西尼说：“我们认为，这幅杰作在当时的影响力要超过《最后的晚餐》。”

98 最后的晚餐

99 《最后的晚餐(The Last Supper)》是意大利艺术家列奥纳多·达·芬奇所创作，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。画面中的人物，其惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻划得精细入微，惟妙惟肖，现藏米兰圣玛利亚德尔格契修道院。

100 此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作。这幅画，是他直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。该画421X903厘米，画面利用透视原理，使观众感觉房间随画面作了自然延伸。为了构图使图做得比正常就餐的距离更近，并且分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次。越靠近耶稣的门徒越显得激动。耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。

101 达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。在众多同类题材的绘画作品里，此画被公认为空前之作，尤其以构思巧妙，布局卓越，细部写实和严格的体面关系而引人入胜。构图时，他将画面展现于饭厅一端的整块墙面，厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结，使观者有身临其境之感。画面中的人物，其惊恐，愤怒，怀疑，剖白等神态，以及手势，眼神和行为，都刻画得精细入微、惟妙惟肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合，与构图的多样统一效果互为补充，使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的作品。

102 题材取自圣经故事。犹大向官府告密，耶稣在即将被捕前，与十二门徒共进晚餐，席间耶稣镇定地说出了有人出卖他的消息，达·芬奇此作就是耶稣说出这一句话时的情景。画家通过各种手法，生动地刻画了耶稣的沉静、安详，以及十二门徒各自不同的姿态、表情。此作传达出丰富的心理内容。 　　达·芬奇改变了文艺复兴早期对这一题材的传统处理方式，图中人物列为一排，以耶稣为中心，十二门徒分为四组，对称分列两侧，形成了一个穿插变化又相互统一的整体。达·芬奇成功地运用构图和用光等手段，塑造了一系列个性鲜明的人物形象。

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104 谢谢观赏