美 的原則.

Presentation on theme: "美 的原則."— Presentation transcript:

1 美 的原則

2 反覆 漸層 對稱 統一 單純 均衡 對比 調和 節奏 比例

3 反覆 漸層 什麼是 美 ?　

4 對稱 調和 什麼是 美 ?　

5 對比 均衡 or 什麼是 美 ?　

6 節奏 比例 1：1.618 什麼是 美 ?　

7 統一 單純 什麼是 美 ?　

8 反覆 相同或相似結構型態或色彩重複出現。

9 -看看藝術史怎麼用- 反覆

10 反覆 康寶湯 2 (金針菇) Campbell`s Soup II (Golden Mushroom)
安迪沃荷 Andy Warhol 1969 年 石版畫 Lithograph 89 x 58 cm 反覆

11 沃霍爾藉著湯廚湯罐 ( Campbell’s Soup Can )規 畫一種品牌產品的上市形象。這種產品減少了家庭主婦在烹調方面的麻煩，延展成最家喻户曉、無須創意的簡便美味速食湯。消費者崇拜湯的出名標籤程度遠遠高於其內容物—— 外觀是保證。 沃霍爾分別於1962、1965年，製作湯罐的不同商標版本，然後又於1985年重新設計。他以巨幅尺寸，同時創作個人的藝術作品和一系列的商標設計，使用不同的顏色調繪製和印製作品，分別在紙袋和畫布上製作絹印。 在1962年的‹破損的湯廚大湯罐(牛肉蔬菜湯)› 的作品中，消費商品的上市，以戲劇化的輪廓出現，標籤剝落，剝奪了金屬罐包材應有的先亮，並且搶走了刻意營造氛圍的完美設計。並且讓觀者聯想到負面、脆弱和憂鬱。他的成就，也許就在於讓人難以從心裡接受消費物品，以顛覆消費此種物品的慾望。

12 康寶湯 Campbell`s Soup Cans
安迪沃荷 Andy Warhol 1962 年 石版畫 Lithograph

13 可樂 消費者世界的明星，就是可口可樂。它是美式生活的超級象徵之一。它的影響力甚至擴及地球上最遙遠的角落。許多美國和歐洲藝術家都曾經為消費商品世界的戀物對象，創作紀念之作。 (安迪·沃霍爾從1960年起，開始繪製一系列可口可樂主題) ，籍形狀、顏色、材料和尺寸的運用，刻意轉化這項風行全球的產品。在雕塑中，他們將影像擴大到具有諷刺效果的人神同形境界，使之永垂不朽，或是以無數跨大、無止盡的排烈，重覆其影像。 綠色的可口可樂瓶 安迪 • 沃霍爾 962年 畫布、油彩，208.9 X 公分 紐約，惠特尼美國藝術館館藏，

14 1962年，瑪麗蓮· 夢露亡故後，安迪· 沃霍爾利用成排重複她的臉蛋或唇形，製作了一系列作品，把夢露眾所皆知的一幅相，以漫不經心，任意和平凡的手法，轉化在畫布上。
由於夢露一再地被迫在銀幕或舞台上重複扮演性質女神的角色，塑造出一系列相同形象。沃霍爾便巧妙地運用夢露在大眾心目中定了型的印象，轉化成一系列是利用不同色調，強調她臉蛋的相同影像，欠缺精巧化粧的炫耀效果，並注入一股既疏離且難測的特質。 沃荷式的夢露 安迪· 沃霍爾 1967 年 紙‧絹網印花 91 x 91 cm 日本廣島藝術博物館

15 鈔票 對金錢的迷戀，是這個時代特別明顯的徵候之一。六零年代所盛行、認為人類必然進步的信仰，源自於西方世界經濟表現的信心。金錢已經成為優越感、自由和經濟能力的象徵。金錢能夠購買一切。它讓生命值得活下去，金錢是所有挫折的共通解救之道。鈔票成美國的象徵。藝術家很快轉移注意力，審視這種令人興奮的時代象徵的背面意涵，並以誇大或一般的形式揭穿其真貌。 特別是在普普藝術家的畫作中，他們會把美鈔繪為疏離，甚至是遭貶抑的事物。他們並指出，消費者雖然隨時隨地攜帶紙鈔，但對鑴印其上的歷史影像無動於衷。 在[ 二十排八＋張的二元鈔票(正面與背面，黑與綠)]中，紙鈔的正、反面幾乎變成可以互相對調，以規整的行列，重覆以黑色臘印在綠色或黑、白、灰背景的大版面畫布上。 這個主題集中在美鈔的量化，由此重新評估其美感與藝術性。但是對於美鈔本身，它的世俗物質氛圍，則受到貶抑。就如金錢一般，美鈔代表著保證安全的抽象意義；身為紙幣，美鈔只是紙張而已；而作為象徵符號，美鈔則是美國的註冊商標。 二元紙鈔(正面與反面)， 安迪 • 沃霍爾 1962年 畫布、絹印，210 X 96 公分 科隆，路德維希博物館

16 「鈔票是這世界每個人都想要的，你應該畫它!」、 「你應該畫一些每天每個人都看的見、都熟識的東西，像是湯罐頭。」
一位畫廊主人告訴他: 「鈔票是這世界每個人都想要的，你應該畫它!」、 「你應該畫一些每天每個人都看的見、都熟識的東西，像是湯罐頭。」 什麼是 美 ?　

17 安迪‧沃荷 Andy Warhol ( 1930年至1987年) 出生於匹茲堡，父母為捷克移民。1952年，在紐約擧行首度個展。 1962年，他在畫布上創作美鈔、湯廚湯罐、瑪麗蓮 • 夢露等主題的絹印作品。 沃霍爾的功作方法，是一連串行動和回應的過程。他開放了製作、作品與複製品之日間影像之間及各物體之間的各種界線。沃霍爾的藝術充滿資訊，而媒介本身，就是訊息的內容。 沃霍爾的作品特色之一，就是他盡可能採取從現實通往圖畫的最短路徑。他不僅想要把瑣碎、平凡的事物轉化為藝術，而且也讓藝術變得瑣碎且平凡。他不僅將大量生產的物品，和摘錄自大眾媒體的資訊轉變成藝術，也把他個人的作品，轉化為大量生產之物。越是低俗的東西，越可能出現在沃霍爾叫作品中。 安迪沃荷藝術生涯之初為百貨公司櫥窗設計繪畫背景，以及雜誌製作美工插圖設計。 當時紐約正是時髦雜誌發行的黃金時代，正人們的購買力與市場需求日益上升 正需要如安迪沃荷這樣的美工人才 1960年，為了突破瓶頸，一位畫廊主人告訴他: 「鈔票是這世界每個人都想要的，你應該畫它!」、 「你應該畫一些每天每個人都看的見、都熟識的東西，像是湯罐頭。」 此後，安迪沃何嘗試將鈔票以及湯罐頭

18 普普藝術 POP ART 1960年代是抽象表現主義的反動，描寫日常生活的每一個事物，迫使大家人對週遭事物更加注意。主要描寫廣告招牌，標誌、照片、漫畫等等，與美國的都市文明有關。 美國普普藝術的主要代表人物 1.狄恩( Tim Dine ) : 偶發藝術。 2.奧登堡( Oldenburg ) : 巨大的軟性雕塑，如軟的鼓、軟的打字機等。 3.羅生葵斯特( Rosenquist ) : 將不相干意象拼湊的巨幅繒畫。 4.李奇登斯坦 (Lichtenstein) : 將連環圖畫照抄放大。 5.渥霍( Warhol ) : 「瑪麗蓮夢露」 版畫最為有名，也拍電影。 6.衛塞爾曼( Wesselmann ) : 巨型多媒體混合作品，代表作是「美國裸女」 。 7.西格爾( Segal )：用真人翻模的雕塑。 8.晾斯( Jasper Johns ) : 代表作「美國國旗」。

19 漸層 一種反覆加上有秩序/規律的變化。如形狀、大小、位置…

20

21

22

23

24 -看看藝術史怎麼用- 漸層

25 威尼斯之黎明 莫內 1908 年 油畫, 73 x 92 cm 日本東京石橋藝術博物館

26 日出印象 莫內 1873 年 油畫, 48 x 63 公分 馬蒙丹美術館巴黎法國

27 莫內 Monet (1840 ~ 1926) 印象主義 Impressionism

28 「試著忘卻你眼前的一切，不論它是一株樹，或是一片田野；只要想像這兒是一個小方塊的藍，這兒是長方形的粉紅，這兒是長條紋的黃色，並照你認為的去畫便是…。」
什麼是 美 ?　

29 印象主義 Impressionism 於1860年代法國展開的藝術運動、畫風。
印象派強調人對外界物體的光和影的感覺和印象，在創作技法上反對因循守舊，主張藝術的革新。 繪畫技巧方面，印象派對光和色進行了探討，研究出用外光描寫對象的方法，並認識到色彩的變化是由色光造成的：色彩是隨著觀察位置，受光狀態的不同和環境的影響而發生變化。 印象派著重於描繪自然的霎那景象，使一瞬間成為永恆，並將這種科學原理運用到繪畫中。 早期印象派追求光的描寫，把畫架從室內搬到戶外，在野外作畫，因此又稱為外光派。

30 對稱 左右對稱與上下對稱，以及輻射對稱

31

32

33

34 -看看藝術史怎麼用- 對稱

35 聖拉薩車站 莫內 Monet 年, 油彩．畫布 Oil on canvas 75.5 x 104 cm 法國巴黎奧塞美術館

36 什麼是 美 ?　

37 Video: 喬安娜‧萊絲 【漂浮城市】

38 錄像藝術 Video Art

39

40 調和 物體構成的要素相近，對比的刺激小，有安定祥和之感。

41 調和

42 調和

43 -看看藝術史怎麼用- 調和

44 魯昂主教堂 /早晨 莫內 魯昂主教堂 /早晨

45 盧昂主教堂 日落 莫內 魯昂主教堂 /早上

46 莫內 魯昂主教堂 陽光下正午

47 莫內 魯昂主教堂 黃昏 調和

48 對比 兩項要素差異極大，產生對比效果。

49

50

51

52 -看看藝術史怎麼用- 對比

53 夜晚露天咖啡座 梵谷 Van Gogh 1888 年, 油畫, 81 x 65.5 cm 荷蘭國立渥特羅庫勒穆勒美術館

54 綁繃帶的自畫像 梵谷 Van Gogh 1889 年, 油畫, 51 x 45 cm 美國伊利諾州芝加哥藝術機構

55 梵谷 Vincent Van Gogh 1853 ~ 1890 AD 荷蘭畫家，他是後期印象派的畫家。英國名評論家赫伯特．里德認為梵谷在以法國為中心的近代繪畫發展史上，他所扮演的角色，可比美塞尚。 梵谷受到林布蘭特、德拉克窪的影響，強調他自己的主觀世界。造形與素材、光線與陰影、氣氛和遠近感，梵谷想把這些要素完全綜合的表現出來。這種思想使他總想畫出強烈的陽光，同時這種大膽的畫法，修正了印象派的單面性的描繪，給予後來的野獸派及表現主義很大的影響。 梵古的作品，如「星夜」、「向日葵」等，現已擠身於全球最具名、廣為人知與昂貴的藝術作品行列。1890 年 7 月 29 日，梵古終因精神疾病的困擾，在美麗的法國瓦茲河畔結束了年輕的生命，是年他才 37 歲。

56 後印象派 Post-Impressionism
是印象派發展而來的一種油畫流派。在19世紀末，許多曾受到印象主義鼓舞的藝術家開始反對印象派。 在藝術表現上，後印象派更加強調構成關係，認為藝術形象要異於生活的物象，用作者的主觀感情去改造客觀物象，要表現出「主觀化了的客觀」。他們在尊重印象派光色成就的同時，不是片面追求外光，而是側重於表現物質的具體性、穩定性和內在結構。

57 均衡 兩種視覺力量保持一種均衡狀態。是動態的美。

58 均衡

59 -看看藝術史怎麼用- 均衡

60

61 拾穗 米勒 Millet 1857 年，油畫 83.5 x 111 cm 法國巴黎羅浮宮

62 牧羊女與羊群 米勒 Millet 年 油畫， 81 x 101 cm 法國巴黎奧塞美術館

63 米勒 MILLET Jean Francois 1814 ~ 1875 AD
法國近代繪畫史上最受人民愛戴的畫家，他那純樸親切的藝術語言，尤其被廣大法國農民所喜愛。他出身于農民世家，幼年時便顯露出繪畫的天才，受到老師的鼓勵而立志學習繪畫 如同盧梭、柯洛等風景畫家發現了平凡的自然界的詩情畫意一般，米勒也發現了平凡的勞動者的詩情畫意。不過，他筆下的農夫並不是天國中的亞當和夏娃，他們是疲憊、窮苦、終日操勞的貧困者，衣衫檻樓，肌膚黝黑，佝樓的身軀，粗大的手掌，這便是米勒的美學，這便是米勒要為之嘔心瀝血地讚美歌頌的法蘭西農民的形象。

64 寫實主義 興起於19世紀的歐洲，又稱為現實主義畫派，或現實畫派。
這是一個在藝術創作尤其是繪畫、雕塑和文學、戲劇中常用的概念，更狹義的講，屬於造型藝術尤其是繪畫和雕塑的範疇。 無論是面對真實存在的物體，還是想像出來的對象，繪畫者總是在描述一個真實存在的物質而不是抽象的符號。這樣的創作往往被統稱為寫實。遵循這樣的創作原則和方法，就叫現實主義。與現實主義（或者大致可稱為具象主義）相對的概念是抽象主義。人們藉由感官知能接收訊息，加以分析組織，以自然為題材(例如自然風景或時事議題)用任何技法將其具體表現出來，但也因生長環境及認知不同，產生不一樣的經驗，這種組織過後的觀點差別，讓同個題材的作品有不同呈現。

65 寫實主義 我們接觸的絕大部分繪畫作品，都是現實主義的，儘管有很多造型很誇張或者變形，甚至無法分辨所表達的對象，比如畢卡索的《亞維儂的少女》，但是，這仍舊被稱作寫實主義的作品。真正抽象的作品並不多見，康定斯基和蒙德里安是現代抽象主義的代表。 一開始有巴比松畫派中的「巴比松七星」，即七位隱居在法國楓丹白露宮附近巴比松村的畫家，他們熱衷於描畫自然風景和農村生活，其中最著名的是盧梭和米葉，盧梭專門描畫風景，米勒的農民畫樸實感人，「晚禱」、「拾穗的人」反映真實的農村生活。最著名的寫實主義畫家是庫爾貝，他反映底層人民的生活，如「碎石工」，他有一句名言：「我不會畫天使，因為我從沒有見過他。」他被選為巴黎公社的文藝委員。 蘇聯十月革命後，不承認現代油畫是藝術，最推崇現實主義，所有蘇聯的畫家都自認為是寫實主義的，甚至將以前俄羅斯的偉大畫家列賓、蘇里科夫也攀附為現實主義的。 當時來中國的蘇聯專家貶低中國畫的水墨山水，認為是抽象的，但參觀一次黃山後，才承認水墨山水是現實主義的，這是蘇聯人對繪畫的最高評價。 中國在文化大革命前也強調藝術必須是「革命現實主義與革命浪漫主義相結合的」，文革後繪畫才真正達到了百花齊放。

66 Video : 【Metronomy】 MV 節奏 相似形多數排列，符合某種週期性變化。

67 Video : 【Metronomy】 MV 　　　 【Sia】MV 節奏 相似形多數排列，符合某種週期性變化。

68 -看看藝術史怎麼用- 節奏

69 一、何謂歐普藝術（Optical Art）
「歐普」藝術（原為Optical Art。意指光學的藝術，紐約畫壇略稱之為Op Art） 的新繪畫，原是歐洲興起的。「歐普」藝術是把人的眼睛再光的照射下注是某一 形狀重複而有一定的秩序變化之物象，所產生的一種錯覺所做的繪畫，可以說完 全是屬於機械性的，創作時放棄了人類的情感。這一類的錯覺印象，實為光的幻 影，也有人稱，這種畫的創作是「複數思想」的表現。毆普藝術家跟傳統藝術家 不同，他們以具體的形象去勾起觀賞者的聯想，他們喜歡利用抽象幾何圖形，给 觀賞者不同的視覺感受。換句話說，他們想要探索「視覺藝術」與「知覺心理」 之間的關係，同時去達到與傳統繪畫同樣動人的藝術體驗。 『歐普藝術，又被稱為「視幻藝術」或「光效應藝術」，這些作品的內容通常是 線條、形狀、色彩的週期組合或特殊排列。』(註一)藝術家們利用了垂直線、水 平線、曲線的交錯，以及圓形、弧形、矩形等等形狀的並置，使得觀賞者的視覺 產生錯覺，這些錯覺例如是：平面的圖案出現了立體感或是不尋常的變形，以及， 靜止的畫面產生了顫抖、旋轉等等運動性的效果。

70 匈牙利裔法籍藝術家瓦沙雷利，是二十世紀極具代表性的藝術家，1908年出生於佩奇（Pécs），40年代，瓦沙雷利奠基於構成主義（TheConstructivism）的創作理念，漸漸發展出自己的藝術模式與方法。 他純粹以繪畫元素，簡潔或單一的幾何圖形構成畫面，研究如何能同時兼顧形式與空間感的藝術境界。最早僅僅運用黑色和白色，慢慢的加入純色和對比色，為確切認知色彩、形體與空間。 50年代，他巧妙的運用圓和方的圖形與光鮮色彩間的節奏，表現多重體積的視覺運動效果。在畫面上所產生視覺幻象，前進、後退或形體空間互換的運動畫面。如此的藝術表現即成為60年代歐普藝術、動力藝術的先聲 瓦沙雷利 匈牙利裔法籍藝術家瓦沙雷利，是二十世紀極具代表性的藝術家，1908年出生於佩奇（Pécs），早先唸的是醫學，在1928年時，進入布達佩斯一所以包浩斯（Bauhaus）理念所創建的藝術學院就讀。1930年因為工作而赴巴黎，就此展開瓦沙雷利個人的藝術探索與影響力。 40年代，瓦沙雷利奠基於構成主義（TheConstructivism）的創作理念，漸漸發展出自己的藝術模式與方法。他純粹以繪畫元素，簡潔或單一的幾何圖形構成畫面，研究如何能同時兼顧形式與空間感的藝術境界。最早僅僅運用黑色和白色，慢慢的加入純色和對比色，為確切認知色彩、形體與空間，瓦沙雷利在許多張玻璃紙上塗抹色彩，並將他們層層堆疊以達深度效果的觀察。50年代，他巧妙的運用圓和方的圖形與光鮮色彩間的節奏，表現多重體積的視覺運動效果。在畫面上所產生視覺幻象，前進、後退或形體空間互換的運動畫面。如此的藝術表現即成為60年代歐普藝術、動力藝術的先聲 出處: 藝術的構成元素：形狀、形態與空間 - 扎誌 - udn部落格

71 歐普藝術（Optical Art） 「歐普」藝術（原為Optical Art。意指光學的藝術，紐約畫壇略稱之為Op Art）的新繪畫，原是歐洲興起的。「歐普」藝術是把人的眼睛再光的照射下注是某一形狀重複而有一定的秩序變化之物象，所產生的一種錯覺所做的繪畫，可以說完全是屬於機械性的，創作時放棄了人類的情感。這一類的錯覺印象，實為光的幻影，也有人稱，這種畫的創作是「複數思想」的表現。毆普藝術家跟傳統藝術家不同，他們以具體的形象去勾起觀賞者的聯想，他們喜歡利用抽象幾何圖形，给觀賞者不同的視覺感受。換句話說，他們想要探索「視覺藝術」與「知覺心理」之間的關係，同時去達到與傳統繪畫同樣動人的藝術體驗。

72 『歐普藝術，又被稱為「視幻藝術」或「光效應藝術」，這些作品的內容通常是線條、形狀、色彩的週期組合或特殊排列。』藝術家們利用了垂直線、水平線、曲線的交錯，以及圓形、弧形、矩形等等形狀的並置，使得觀賞者的視覺產生錯覺，這些錯覺例如是：平面的圖案出現了立體感或是不尋常的變形，以及，靜止的畫面產生了顫抖、旋轉等等運動性的效果。

73 比例 物體或形狀的部分彼此之間，或部分與全體的大小、長短、面積的關係
　　數字從一齣現開始，就帶有中規中矩的理性。之後它能和藝術沾邊，並以獨特的方式，引導音樂、繪畫、建築的創作，絕對離不開黃金比例的影響。 　　一條線段被分成兩部分，當全長與長邊的比例等於長邊與短邊的比例時，Ｃ點就為黃金分割點，所得的結果1.618就是黃金比例。 　　按照這個比例進行創作，作品可以獲得視覺上的和諧，也就是藝術家所追求的美感。建於公元前5世紀的巴特農神廟其殿寬與高的比例約為1:1.6。 　　那麼在繪畫和攝影作品中，中心人物或景物的位置，又該怎麼安排呢？常用的辦法是，在整個畫面的黃金比例位置，確定作品的趣味中心，而不是在構圖的正中。 　　至於說樂器如何能奏出美妙的旋律，我們也不難理解了，它同樣離不開黃金比例的影響。 　　2500年前自發現黃金比例以來，很多人都認為，是人類最先發現並使用了它。其實植物處處都顯現出了這種天賦。花朵除了吸引傳粉的小動物以外，您注意過花瓣的數量嗎？ 　　馬蹄蓮有一個，百合和鳶尾都有三個，而不是我們認為的六瓣，下垂的部分其實是它的花萼。石竹梅、桃花則是五個花瓣，而雛菊多是34、55或89個。 　　這是一個有趣的發現！為什麼花瓣不是10片或者20片，而以那些特定的數字出現呢？是偶然現象，還是因為開花植物進化地比較完全呢？ 　　松柏這樣的球果植物，生長非常緩慢，它們沒有誘人的花朵，但在種球上，我們可以找到8條向左和5條向右的曲線。而這枚球果上有8條向左和13條向右的曲線。 　　菠蘿的表面，與松果稍有不同。它每個鱗片都是三組不同方向曲線的一部分。大多數分別有5條、8條和13條。 　　植物葉子中也有一些數字。這是向日葵的一段枝幹，從位置重合的0號葉到5號葉，5片葉圍繞莖桿轉了2圈。不同的植物可能是3片葉轉1圈，或者是8片葉轉3圈等等。 　　植物從花到種子再到葉片，都顯現出對這些數字的偏好。如果說是遺傳決定了花瓣的數量和葉片的排列，那麼它和黃金比例之間到底有什麼聯絡呢？ 　　1837年晶體學之父奧古斯特?布喇菲和他的兄弟，通過觀察發現，葉片中不但有數字出現，在排列上還有一個固定的角度。我們知道植物的生長是從莖桿的頂部開始的，生長越早的葉片離頂部也就越遠。如果俯看的話，相鄰的兩片葉子之間有一個近似137.5度的夾角。 　　如果說是1.618決定了這個數字，您會不會更驚訝。我們按照黃金比例來劃分360度的圓周，得到的角度應該是360除以1.618，約等於222.5度。從另一邊測量的話，就是137.5度。和我們前面觀察到的角度正好吻合。 　　為了進一步了解黃金比例與植物的關係，我們再來看看科學家的研究對象——向日葵。 　　關於向日葵的傳說有很多，但人們的了解還是從哥倫布發現新大陸開始。被印第安人馴化成為作物後，向日葵很快又傳遍了歐洲。但人們對它的關心最多停留在每一季的收成上，數學家的研究，則是很久以後的事情。 　　在向日葵的花盤上，我們也可以找到一些曲線。通常沿順時針旋轉的有89條，而逆時針方向的有55條。也有的向日葵是55和34或是144和89的組合，這通常由花盤的大小來決定。如果把每一組的比值進行比較，我們發現它們越來越接近1.618。 　　由此來看，葉片出現137.5度的夾角，和向日葵花盤上成組的曲線，都與黃金比例有關。那麼這種關係是從植物生長的什麼階段開始的呢？ 　　在1907年的一篇文章裏，德國數學家馮?伊特遜提出了一個觀點，如果將植物每一個新生的幼芽，設想為一連串的點，將它們按137.5度的間隔，由內而外依次排列。根據最後相鄰各點之間的位置關係，自然就會形成順時針和逆時針方向的兩組曲線。至於是34和55還是89和144的組合，那就要看幼芽排列得有多緊。我們已經知道這些組合的比值，非常接近1.618，那麼可以這樣說，是黃金比例造成137.5度夾角以及花盤上曲線的出現。 　　如果說植物對1.618的偏愛是一種本能，那麼它的目的是什麼呢？ 　　向日葵的5個葉片，圍繞莖桿轉二圈，這樣的排列，可以實現葉子之間最少的重疊和最大的透光性，從而使每一片都能得到足夠的光照和通風。 　　再來看一個小試驗我們也可以明白它對種子的意義。我們分別以137.3°，137.5°，137.6°為夾角進行種子的排列，然後可以看到，當角度小于或大於137.5度時，花盤上會出現較大的間隙，而且只能看到一組曲線。而角度為137.5度時，種子緊密而均勻的分佈，也只有這樣，兩組曲線才會同時出現。雖然角度差別只有0.1到0.2度，但佈局的差異是很明顯的。直觀地講，按照137.5度的排列，能讓種子最有效地分享空間。 　　至此，這一系列的數字迷團，原來反映的是植物有效佈局的原理。過去我們眼中的向陽花，今天變成了數學家。而它所關心的，是生物的基本問題——繁衍，它所展示的，也是大自然最本能的選擇。到這兒有關黃金比例和植物之間的故事就結束了。 比例 物體或形狀的部分彼此之間，或部分與全體的大小、長短、面積的關係

74 -看看藝術史怎麼用- 比例

75 百老匯爵士樂 蒙得里安 Mondrian 年 油畫, 127 x 127 cm 美國紐約現代美術館

76 蒙德里安的几何抽象派(Geometrical Abstractionism), 大部分作品都是严格的按照黄金分割的比例来分割画面。 使之达到一个视觉上的平衡， 然后再根据画面点缀红黄蓝三原色让他协调。理性中嵌入感性。 当然，画家不可能和数学家一样来精确计算数值，然后再创作。 所以还是靠形象思维（感觉）来创造他的“冷抽象”作品。 蒙德里安思想的形成，是他在1915年认识数学家肖恩梅克斯之后， 从他的理论中获取了最大的启发， 抽象主义艺术的理论建立在对所谓内在精神的认识上的。 蒙德里安相信,宇宙万物的结构都是按照数学的原则建立的。 蒙德里安最终找到了一种非常精确的由水平线、垂直线、三种彩色(红黄蓝)和三种非彩色(黑白灰)共八种基本元素组成的绘画公式,即格状结构。 通过结构比例和色彩搭配的变化,他使这一绘画公式产生了无数和谐的变体。 構成第三號 蒙得里安 Mondrian 年, 油畫, x cm 私人菲利浦收藏

77 蒙得里安 Mondrian Piet 1872 ~ 1944 AD 原名 Pieter Cornelis Mondriaan，1872 年三月生於荷蘭的 Amersfoort，將抽象派推至極限，通過構圖和色彩的簡單形式來探索所有景象的基本原理，對建築、工藝和設計產生很大影響。 蒙德里安是幾何抽象畫派的先驅，與德士堡等組織“風格派”，提倡自己的藝術“新造型主義”。認為藝術應根本脫離自然的外在形式，以表現抽象精神為目的，追求人與神統一的絕對境界，亦即今日我們熟知的“純粹抽象”。 蒙德里安的几何抽象派(Geometrical Abstractionism), 大部分作品都是严格的按照黄金分割的比例来分割画面。 使之达到一个视觉上的平衡， 然后再根据画面点缀红黄蓝三原色让他协调。理性中嵌入感性。 当然，画家不可能和数学家一样来精确计算数值，然后再创作。 所以还是靠形象思维（感觉）来创造他的“冷抽象”作品。 蒙德里安思想的形成，是他在1915年认识数学家肖恩梅克斯之后， 从他的理论中获取了最大的启发， 抽象主义艺术的理论建立在对所谓内在精神的认识上的。 蒙德里安相信,宇宙万物的结构都是按照数学的原则建立的。 蒙德里安最终找到了一种非常精确的由水平线、垂直线、三种彩色(红黄蓝)和三种非彩色(黑白灰)共八种基本元素组成的绘画公式,即格状结构。 通过结构比例和色彩搭配的变化,他使这一绘画公式产生了无数和谐的变体。

78 新造型主義 風格派 (De Stijl) : 新造型主義
誕生於1920年，由蒙德里安所創，所謂的「新造型主義」，原文的字義是 :「世界之新影像」，他的目的是欲意構思在 : 「一種新的造型之實現」，以及一種超越自然之簡化而呈現的形式之完美。 出處: 34 風格派 (De Stijl) : 新造型主義 - 盧人仰的部落格 - udn部落格 蒙德里安的几何抽象派(Geometrical Abstractionism), 大部分作品都是严格的按照黄金分割的比例来分割画面。 使之达到一个视觉上的平衡， 然后再根据画面点缀红黄蓝三原色让他协调。理性中嵌入感性。 当然，画家不可能和数学家一样来精确计算数值，然后再创作。 所以还是靠形象思维（感觉）来创造他的“冷抽象”作品。 蒙德里安思想的形成，是他在1915年认识数学家肖恩梅克斯之后， 从他的理论中获取了最大的启发， 抽象主义艺术的理论建立在对所谓内在精神的认识上的。 蒙德里安相信,宇宙万物的结构都是按照数学的原则建立的。 蒙德里安最终找到了一种非常精确的由水平线、垂直线、三种彩色(红黄蓝)和三种非彩色(黑白灰)共八种基本元素组成的绘画公式,即格状结构。 通过结构比例和色彩搭配的变化,他使这一绘画公式产生了无数和谐的变体。

79 單純 結構、比例、秩序上的單純。

80

81 -看看藝術史怎麼用- 單純

82 什麼是 美 ? 形象的叛逆(這不是一個煙斗) 瑪格利特 Magritte
1929 年, 油畫, 60 x 80 cm 美國加州洛杉磯郡立美術館 什麼是 美 ?　

83 瑪格利特 Magritte Rene 比利時超現實主義畫家，1927 ~ 30 年居住在巴黎，此後一直住在布魯塞爾。
1898 ~ 1967 AD 比利時超現實主義畫家，1927 ~ 30 年居住在巴黎，此後一直住在布魯塞爾。 早期受立體派、未來派及純粹主義的綜合影響，他將突兀，不合理的物體並列，同時營造一種安靜，近似恍惚的氣氛，借此表達他對神秘世界的感覺。 1943 ~ 46 年，他採用印象主義的畫風和顏料，1947 年冬到 1948 年，他所謂的野獸派時期，他畫了一系列色彩強烈，意象怪異的傑出作品，批評家對於實驗性的作品反映一般都不佳，於是他有回到他熟悉的風格。 自 1960 年代起，瑪格利特的作品引起公眾的高度興趣，更影響普普藝術、簡約主義及概念主義。他和達利不同，他不以繪畫表現個人的困惑或幻想；他作品的特色是智慧，諷刺，還有一種機智論辯的精神，而非自我披露。創作於 1929 年，名為《形象的叛逆》，此畫經常被用來解釋超現實主義的觀點，並用於書籍和教學上。

84 超 現 實 主 義 （ Surrealism ） 於1920年至1930年間盛行於歐洲文學及藝術界中 。 藝 術上的表現以探索潛意識中的矛盾為主 ， 如生與死、過去和未來等，超現實主義的畫家也為了表現這樣的奇發異想，大多運用拓印法、黏貼法、自動性技法等，特殊的表現技法 來 創 作 。 另外，為了表現與真實世界的扭曲或矛盾，他們也常常採用精細而寫實的手法來表達超現實的世界，甚至出現幽默的效果 。

85 統一

86

87

88 -看看藝術史怎麼用- 統一

89 Alphonse Mucha. Zodiac. 1896. Color lithograph. 65.7 x 48.2 cm. Alphonse Mucha. Sarah Bernhardt. 1896. Color lithograph. Alphonse Mucha. Reverie. 1897. Color lithograph. 72.7 x 55.2 cm.

90 新藝術風格中最重要的特性就是充滿有活力、波浪形和流動的線條。像是使傳統的裝飾充滿了活力，表現形式也像是從植物生長出來。
新藝術 Art Nouveau 新藝術風格中最重要的特性就是充滿有活力、波浪形和流動的線條。像是使傳統的裝飾充滿了活力，表現形式也像是從植物生長出來。 新藝術運動開始在1880年代，在1890年至1910年達到頂峰。新藝術運動的名字源於薩穆爾·賓(Samuel Bing)在巴黎開設的一間名為「新藝術之家」(La Maison Art Nouveau)的商店，他在那裡陳列的都是按這種風格所設計的產品。此藝術運動是在20世紀之初，位於大眾文化最高點的藝術和設計風格。 盧布爾雅那Prešeren 廣場 建築物 Urbanc House

91 阿爾芳斯‧慕夏 阿爾豐斯·慕夏（Alfons Maria Mucha，1860年7月24日－1939年7月14日），是一位捷克籍的畫家與裝飾品藝術家。 慕夏的作品具有鮮明的新藝術運動特徵，也有強烈的個人特點，他創作了大量的畫、海報、廣告和書的插畫，同時從事珠寶、地毯、壁紙及劇場擺設等設計。在畫中常出現美麗的女人穿著帶有新古典主義的長袍，四周圍繞著豐富的花，且在女人的頭後方常會有光環。他的新藝術風格常被模仿，然而，這是慕夏終生不想嘗試的風格；他總是堅持著一種信念，那就是與其依附著任何一種流行的設計型式，他的設計是從內心而生。他聲稱藝術的存在只是為了傳遞精神上的訊息，如此而已；因此他對他在商業藝術界得到的聲名感到挫折，而希望專注於那些更為崇高的藝術，及使他的出生地更為尊貴的計畫。 Alphonse Mucha. Self-Portrait. 1899. Oil on board. 32 x 21 cm. Mucha Museum, Prague, Czech Republic

92 形狀聯想派對 想想看，日常生活中有哪些幾何圖形？

93

94